Si eres diseñador gráfico deberías conocer los siguientes movimientos artísticos. El arte es una fuente de inspiración constante para los diseñadores gráficos y las corrientes artísticas que se han sucedido a lo largo de la historia han dejado una huella que es muy útil a la hora de acometer proyectos de diseño gráfico. En este artículo vamos a realizar un recorrido por 7 movimientos artísticos que son una referencia habitual para muchos diseñadores gráficos. No son los únicos, ni probablemente tampoco los más influyentes. En esta lista podrían echarse en falta el cubismo, el fauvismo, el surrealismo, el postmodernismo o el minimalismo. Sin embargo, los 7 movimientos artísticos que hemos seleccionado en este artículo consideramos que son muy interesantes para los diseñadores gráficos por su impacto visual y por su proximidad con el diseño gráfico.
1. Art Nouveau (modernismo)
Desarrollado a finales del siglo XIX y principios del XX. Se trataba de crear un arte nuevo, libre, moderno, que supusiera una ruptura con los estilos predominantes en aquel momento: realismo, impresionismo, historicismo o eclecticismo. El Art Nouveau pretendía crear una estética inspirada en la naturaleza a la vez que recogía influencias derivadas de la revolución industrial. Las principales características del Art Nouveau fueron el uso de ornamentos de origen natural, como vegetales; la asimetría y las líneas curvas; las imágenes femeninas o el uso de motivos exóticos basados en culturas lejanas, como la japonesa. Alphonse Mucha, Will Bradley, Ramón Casas o Gustav Klimt son algunos de sus artistas más representativos.
«El beso” de Gustav Klimt
“Zodiac” de Alfons Mucha
2. Constructivismo
El constructivismo surgió en Rusia en 1914, bajo las influencias del futurismo y el cubismo. Su máxima expresión la alcanzó después de la Revolución de Octubre. Muchas de sus obras sirvieron de propaganda para los revolucionarios de la recién constituida Unión Soviética. El constructivismo tenía como objetivo llevar el arte al pueblo, que hasta entonces sólo era patrimonio de las élites. El constructivismo se manifestó en numerosas artes: arquitectura, cine, pintura, escultura o diseño gráfico. Los artistas más influyentes del constructivismo ruso fueron El Lissitzky, Naum Gabo, Alexander Ródchenko, Sergei Eisenstein o Vladimir Tatlin. El constructivismo también se extendió a países como Holanda, con artistas como Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el grupo De Stijl.
Portada del libro “Constructivism” de Alekséi Gan. 1922
Cartel de propaganda de Alexander Ródchenko, 1924
3. Bauhaus
La Bauhaus fue el nombre de una escuela educativa surgida en la ciudad alemana de Weimar en 1919 y que dio nombre a esta corriente artística. Fue fundada por el arquitecto Walter Gropius y en sus aulas se impartieron numerosas disciplinas: pintura, diseño gráfico, arquitectura, teatro, artesanía, escultura o diseño de interiores. Aunque fue una escuela eminentemente alemana, atrajo a muchos artistas europeos, como Wassily Kandinsky, Paul Klee o Josef Albers, que trabajaron como docentes.
La obsesión la Bauhaus era alcanzar la máxima simplicidad reduciendo los objetos a la mera funcionalidad. El estilo de la Bauhaus se caracterizaba por la sencillez, el uso de tipografías atrevidas, bloques de color, formas planas, figuras geométricas y líneas limpias.
Logotipo de la Escuela de la Bauhaus, diseñado por Oskar Schlemmer (1922)
“En blanco II” de Vasili Kandinsky (1923)
4. Art Decó
El Art Decó surgió en París en torno a 1920 y pronto se extendió por todo el mundo. Se trata de un arte burgués y decadente que se mantuvo vigente aproximadamente hasta el inicio de la II Guerra Mundial en 1939. Fusionó las corrientes anteriores – constructivismo, cubismo, futurismo, fauvismo, Art Nouveau o la Bauhaus – con sucesos como el descubrimiento de las ruinas del Antiguo Egipto o el maquinismo. El Art Decó se manifestó desde en pequeños objetos (joyería o artes decorativas) hasta en grandes construcciones (gigantescos rascacielos). Y también influyó en el cine (la robot de Metrópolis de Fritz Lang), el diseño gráfico, la moda o la publicidad. Fue el estilo de las grandes estrellas de Hollywood de aquel entonces. Fue el símbolo del glamour. La estatuilla del Oscar, por ejemplo, es de estilo Art Decó.
«Autorretrato en Bugatti Verde” de Tamara de Lempicka (1929)
Coronamiento art decó del Edificio Chrysler en Nueva York, construido entre 1928 y 1930
5. Expresionismo abstracto
Fue una corriente pictórica del expresionismo que se desarrolló en Estados Unidos al término de la Segunda Guerra Mundial. Sucesos tan terribles como el Holocausto nazi o las bombas atómicas de Hiroshima o Nagasaki provocaron un profundo desencanto en la sociedad. El expresionismo abstracto dejó atrás el goce estético y se lanzó a la creación de formas desgarradas. Es un arte individualista, que proclama la libertad, que convierte el proceso artístico casi en un trance. Por primera vez, la improvisación adquiere un papel protagonista. Los principales exponentes del expresionismo abstracto fueron Jackson Pollock, Robert Motherwell, Mark Rothko o Arshile Gorky.
“Mural” de Jackson Pollock (1943)
“Nº 13 (Blanco, rojo sobre amarillo)” de Mark Rothko (1958)
6. Pop Art
El Pop Art nace en Estados Unidos y Reino Unido a finales de 1950, casi como un arte documental. Los artistas Pop Art retratan el mundo que les rodea. Es una manifestación plástica de la sociedad de aquel momento, una mezcla de consumo desenfrenado, democracia, tecnología y ocio. El Pop Art convierte el arte en un producto más, listo para ser fabricado en serie, empaquetado y vendido. Esa idea, aunque pueda parecer banal, constituyó una auténtica revolución. El arte se transforma en algo popular, creado para las masas, y no un divertimento de un grupo reducido de intelectuales. Grandes figuras del Pop Art fueron Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, y por supuesto, Andy Warhol.
Cuatro latas de Sopa de tomate Campbell´s del 50 aniversario «Art Of Soup”
“M-Maybe” de Roy Lichtenstein (1965)
7. Grupo Memphis
Nace en Milán a principios de los años 80. Su nombre es un homenaje a la canción “Stuck Inside of Mobile With the Memphis Blues Again” de Bob Dylan, que estaba sonando en casa del diseñador Ettore Sottsass, mientras se reunían un grupo de artistas multidisciplinares que dieron vida al nuevo movimiento. Eran diseñadores hartos de la funcionalidad y del minimalismo. Querían crear un arte sensual y emocionante. Deciden romper con las estructuras limpias y ordenadas y se centran en lo divertido, lo radical, lo excéntrico, añadiendo ruido, formas geométricas desenfadas, colores deslumbrantes y patrones, como los famosos “squiggles”, diseñados por el propio Ettore Sottsass.
Colección de objetos diseñados por el Grupo Memphis
Separador de ambientes Carlton, de Ettore Sottsass (1981)
Si quieres aprender a diseñar logotipos, identidades corporativas, folletos, carteles o packaging, en el Master de Diseño Gráfico online de Aula Creactiva encontrarás la formación que necesitas para trabajar como diseñador gráfico. Crearás tu propio portfolio y podrás realizar prácticas en empresas. ¿A qué esperas?
